Pavel Shugurov, Arte Publico, Arte Monumental

PAVEL SHUGUROV

Arte Monumental y Arte Público

La pregunta sobre la relación entre estos conceptos [de Arte Monumental y Arte Público] utilizados por los especialistas de este campo en diferentes países, se ha convertido en una cuestión cada vez más importante entre los científicos culturales e historiadores. Las diferentes tradiciones no solo traen consigo diferentes acepciones sobre unos principios básicos, sino que además y en consecuencia, conllevan diferentes aproximaciones a la descripción y comprensión de estos valores. Sin embargo, en un momento en que los medios masivos han unido a todos los países en una sola extensión económica y cultural sin afectar las fronteras físicas, ha emergido una necesidad imperiosa por la generalización de conceptos locales y la creación de un marco conceptual unificado. Es importante señalar que en la conformación de tal marco, ninguna de las partes contribuyentes debería encontrarse en desventaja.

Los conceptos a comparar en este artículo son el concepto norteamericano de public-art y el concepto soviético de shugurov0a.jpg (arte monumental), que ha sido incorporado al vocabulario del arte contemporáneo en Rusia. La pregunta por su interacción emerge en simposios y conferencias internacionales y en el intercambio de ideas entre los artistas que trabajan en el espacio público.

Este texto pretende clarificar lo que se entiende por ambos conceptos, y si estos son sinónimos, si uno es componente del otro (y si es así, en qué medida), o si representan diferentes tendencias en el arte. Una discusión similar sobre el 'monumentalki' (1) ruso y las razones de su estancamiento y crisis podrían ser destacadas como temas importantes y sobresalientes de este artículo. Es obvio que el arte monumental se ha transformado después de la Perestroika, tanto conceptual como formalmente. Por ende, los artistas e historiadores de arte rusos aún tienen que decidir si rechazan este término (de monumentalki), como un rudimento soviético, y buscan entonces nuevos términos, tomándolos prestados de colegas extranjeros, o lo transforman junto con su ‘imagen’ para proyectarlo hacia el marco conceptual internacional.

Es necesario indicar que opto por la segunda alternativa (re-redactar y re-enfatizar), ya que creo que el rechazo del término implicaría la pérdida de la escuela soviética de monumentalka, así como sus logros y desarrollos. Pero dediquémonos a una cuestión a la vez.

Los expertos en Rusia prefieren usar el término anglosajón public art, que no es traducido mediante la eufónica frase (en ruso) ‘arte de audiencias’, la expresión ‘arte social o comunal’, ni mediante la usual expresión ‘arte en espacios públicos’.

El término arte público (2) le es otorgado a obras que cumplen dos condiciones: 1) están diseñadas para lugares específicos (site specificity); 2) cuenta con una audiencia ‘desprevenida’. Aparte de estas condiciones, no existen otras restricciones fundamentales en lo que constituye al arte público. Esas obras pueden ser permanentes o temporales, sancionadas oficialmente o ilegal, enormes o diminutas. Bajo este concepto, se incluyen estructuras arquitectónicas, alumbrado público festivo, teatro callejero e incluso, por ejemplo, lecturas de poesía en el tren subterráneo. Sin embargo, estas dos condiciones prescritas diferencian claramente las características y distinciones del arte público de otras formas de arte.

El arte contemporáneo ha hecho difusos los límites entre estilos, géneros  y técnicas. En la actualidad, una comprensión más amplia de las síntesis de las artes, de las técnicas híbridas y de los estilos literarios evita determinar o etiquetar cualquier pieza. Incluso, una obra concebida de manera específica para un lugar determinado (3) es incapaz de diferenciarse verdaderamente de aquellas piezas que no están ligadas a su lugar de exhibición, que se les conoce en Rusia como ‘Arte de caballete’ (4). Estas, así como otros tipos de piezas dependen de las cualidades arquitectónicas del lugar, donde están localizadas (en el primer caso, este podría ser un contexto urbano, y en el segundo, una hoja de papel normal). Ambos tipos de piezas y otros pueden llegar a depender tanto del contexto (de acuerdo a los deseos de quien comisiona las piezas, la vida personal del artista, o la historia del lugar, por ejemplo), como también pueden ser independientes (i.e., dependen únicamente de las intuiciones del espectador).

La noción de site-specificity marca de manera muy sencilla la frontera entre el arte ‘público’ y piezas independientes (en el sentido recién indentificado), etiquetando un tipo de arte que no puede ser removido de su sitio de exhibición.  Ahora bien, lo que le da un carácter particular  y eventualmente le da el nombre a la tendencia del arte público es la segunda condición, a saber, la orientación hacia la ‘audiencia desprevenida’ atrayendo la atención de aquellos que se encuentran cerca, y la alteración artística de la vida cotidiana. La frase ‘audiencias desprevenidas’ (no muy precisa, pero aún así más sonora que 'espectadores no preparados'), no implica que la gente no tenga opinión alguna sobre el arte, sino que la gente no se ha situado en el estado de ánimo adecuado para ver arte en un momento y lugar determinados. Es casi como si el arte público encontrara su audiencia por sí mismo: algunas veces lo hace discretamente, casi mezclándose con el ambiente normal, otras veces lo hace como si estuviese esperando el momento adecuado para atacar.  Esta es la característica principal y distintiva del arte en los espacios públicos: el público no busca la pieza, pero esta encuentra su audiencia.

El arte público es tan visible y popular, porque ¡es accesible! Se hace accesible al entendimiento gracias a que es un ‘invitado’, más que un arrogante ‘maestro’, ‘caballero’ o ‘profesor’; cosa, esta  última, que sí hacen los experimentos contemporáneos o las obras maestras en las galerías y museos, respectivamente. Es accesible, porque no demanda ningún el pago de dinero para admirarlo. Es accesible, porque se ajusta al ritmo contemporáneo de la vida como, perdón por la comparación, la comida rápida o los teléfonos móviles. No le pide al consumidor una pérdida de velocidad o un cambio de ruta, más bien lo acompaña.

Sin embargo, no se reduce a mera visibilidad o mera tecnología. El arte público es un tipo de arte, y como cualquier tipo de arte demanda atención, culto e inversión. En retorno, está preparado para dar a sus admiradores todo lo que pudiesen esperarse del arte (inspiración, espiritualidad, conocimiento y entretenimiento).

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'The Antarctic mission' Museum of the Arctic and Antartiki, 2005

 

Ahora es tiempo de dirigir nuestra atención hacia la discusión de lo que es el arte monumental. Escogida entre algunas pocas definiciones, la más adecuada y moderna es ofrecida por la Gran Enciclopedia Soviética: ‘el arte monumental’ es una forma escultórica de arte; cubre un amplio rango de obras creadas para ambientes arquitectónicos específicos, y se ajusta a los diferentes lugares en sus cualidades ideológicas así como en sus características visuales, arquitectónicas y de color. Dentro del arte monumental están las estatuas y monumentos, las decoraciones escultóricas, pictóricas e incrustaciones en los edificios, vitrales, esculturas en parques y pueblos, fuentes, etc. Algunos investigadores también sitúan las obras arquitectónicas dentro de este grupo.

Las composiciones gráficas en fachadas e interiores, y los monumentos en las plazas suelen estar dedicados, tanto a la representación como al adoctrinamiento de ideas de tipo universal, social y político entre las grandes masas y a la perpetuación de la memoria de figuras prominentes o eventos importantes. Trabajando en conjunto con la arquitectura (es decir, la síntesis de las artes), las obras de arte monumental dan expresión física a los contenidos ideológicos de un edificio, un conjunto de edificios u otros espacios organizados arquitectónicamente. Sin embargo, con frecuencia, estas obras tienen un valor relativamente independiente, y  aparecen como componente dominante de un conjunto. El deseo de expresar ideas elevadas dicta el lenguaje majestuoso de las formas artísticas y la relación de escala con respecto a las personas, ambientes naturales y construidos (es decir, monumentalidad). .Muchas otras obras de arte monumental no llevan tales cargas ideológicas, y con frecuencia actúan como acompañamientos en la arquitectura, decorando las superficies de las paredes, los pisos, techos, fachadas, etc. (5)

La definición soviética de arte monumental es mucho más moderna que su imagen y nuestra noción de este – que tiene a ser asociada con la propaganda soviética y la supresión de los ciudadanos a manos de su propio gobierno totalitario. En efecto, la ideología es el fundamento del arte monumental (del latín monumentum –monumento, que viene a su vez de  monere – recordar, inspirar, apelar a) (6). No obstante, debemos advertir cuán diversa y contextual es el modo de entender el arte monumental (por supuesto, durante la era post-soviética y con reservas sobre su desarrollo histórico): la ideología debe ajustarse a tiempo y lugar, así como el arte monumental puede ser majestuoso-  y pomposo o minimalista en su decoración. Todo depende de un exhaustivo plan contextual. Una interpretación tan amplia fue necesaria para que los académicos soviéticos pudiesen vincular y encontrar un lugar para el arte soviético dentro de la historia del arte como un todo, partiendo de las pinturas primitivas.

La única parte del término ‘arte monumental’ que está desactualizada es su restricción a las artes escultóricas. Esta parte aún sostiene un límite que no puede existir en el arte contemporáneo. En un momento, cuando las tecnologías y los géneros se han mezclado, difícilmente algún artista se restringirá de forma consciente a las artes ‘escultóricas’. Los proyectos son creados como complejas amalgamas de varias artes, incluyendo en su composición la interacción con el público y fenómenos naturales. Incluso los murales monumentales son planeados en la actualidad, según como deberían ser iluminadas en la noche, dándole a la obra una nueva perspectiva.

Al comparar las definiciones, podemos decir que el arte monumental constituye el aspecto más profesional del arte público. Así, las obras de arte monumental no solo son creadas para su exhibición en un sitio específico, sino para “conferir expresión física al contenido ideológico” (7) del sitio, es decir, fusionarse completamente con el espacio. Las obras de arte monumental no están orientadas solo a ‘audiencias desprevenidas’, sino también están ‘dedicadas tanto a la realización y adoctrinamiento de ideas universales, sociales y políticas entre las grandes masas, como a la perpetuación de figuras prominentes o eventos importantes’. (8)

‘Perpetuación’ es una palabra clave para el arte monumental: define no solo la idea y el estilo estructural de la obra, sino también la escogencia de los materiales. Los trabajos de naturaleza efímera, hechos de materiales endebles y de corta vida pueden ser considerados arte público, pero no ‘arte monumental’, a pesar de los méritos monumentalmente ideológicos que pueda tener. En la crítica de arte soviética, el término arte decorativo fue usado para el arte de naturaleza efímera. Esta definición muestra que “si el arte monumental refleja el espíritu de una época en formas universales y, hasta cierto punto, imperecederas, hechas de materiales «permanentes» (piedra, metal, esmalte, etc.); entonces, el arte decorativo es una rápida respuesta a menudo periodísticamente aguda, a los eventos actuales, en la que un laconismo propio ‘de cartel publicitario’ es combinado con la levedad de los materiales, la movilidad de las construcciones, el acertado diseño del espacia y de la selección de los colores. (9) Por supuesto, los materiales duraderos y, en consecuencia, costosos, refuerzan la demanda de un profesionalismo por arte del artista.

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Panel en la calle Savushkina en San Petersburgo

 

¿Qué idea puede asumir una posición central en el ‘arte monumental’ después de haberse librado de la ideología totalitaria? La falta de una respuesta a esta pregunta es en apariencia la razón de la crisis actual en este campo del arte. Sin embargo, no puede haber una sola respuesta. Hay demasiados temas fundamentales, que a la vez son relevantes en la actualidad y eternos. Los curadores de arte extranjeros trajeron el término arte sostenible (sustainable art) (10) a la crítica de arte, ofreciendo temas como la ecología, la justicia social, el pacifismo y los fundamentos de la democracia, como los próximos temas eternos. Con mis compañeros artistas en el estudio de arte monumental “33+1” (shugurov0b.jpg «33+1»), hemos propuesto cinco puntos de partida básicos e interconectados, que cualquier obra de arte monumental importante debería cumplir: funcionalidad, historia del lugar (espíritu del lugar (11)), adaptación al ambiente social, unidad estilística con su entorno visual, y la voluntad del autor (quien la encarga o el artista). Estos conceptos son interpretados en completo detalle en el artículo “For whom does the artist create?” (12). Por supuesto, esta es solo una de las muchas respuestas a la pregunta en cuestión; la diversidad ha sido siempre la base de la evolución del arte monumental y del arte en general.

La crítica de arte occidental no incluye una palabra que represente la síntesis de un arte público profesional, ideológica y socialmente importante. Los términos arte sostenible (arte estable y duradero), arte ambiental (arte ecológico), land art, y arte mural (pintura mural), implican un alto nivel de profesionalismo de parte de los artistas, a la vez que enuncian tendencias o técnicas actuales, dentro del arte público, pero no señalan la tradición profesional del arte en el espacio público o su desarrollo desde tiempos ancestrales, como tampoco sientan las bases de su desarrollo futuro.

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Arte en las calles de San Petersburgo. Business Centers. Arquitecto Choban Sergey

 

La interpretación del término ruso arte monumental, planteada  en este artículo, puede enriquecer sin duda alguna la teoría universal del arte. Sin embargo, hay algunas dificultades para ello.

La frase ‘arte monumental’, para los no iniciados está, en principio, asociada con la imagen de algo grande, pero no con la majestuosidad o complejidad de un diseño. Un gran lienzo, una pieza gigante de grafiti, o una escultura colosal, obras que están decididamente excluidas del plop art (13), por error pueden llegar a ser llamadas ‘monumentales’. La segunda asociación posible e indeseable del arte monumental se realiza con el arte conmemorativo o sepulcral. Se necesita una explicación para desplazar el énfasis desde las dimensiones físicas hacia el contenido ideológico. No obstante, gracias a la vitalidad y longevidad del término ‘arte monumental’ en la crítica de arte rusa, el camino está prácticamente allanado para esta tarea.

Otra posible dificultad para la inserción de este término en el mundo del arte occidental es que, como un derivado de la cultura rusa, parece estar centrado en la literatura, y por ende, parece ser figurativo. Sin embargo, dada la definición de arte monumental que he dado, no debería ser el caso. En consecuencia, el término no evoca quietud, sino que implica cambios de significado paralelos a los cambios en las actitudes y valores del público; mostrando así su disposición para la internacionalización.

También podríamos decir que no es fácil insertar el término ‘arte público’ en Rusia, porque ya se encuentra relacionado con un conjunto de intervenciones artísticas (14), y otras excentricidades y obras de street artists, tales como las instalaciones urbanas (15), el grafiti (16) y los flashmobs (17), comúnmente llamados “arte de audiencias” en Rusia. Por otra parte, vale la pena subrayar que la expresión artística privada (por ejemplo, el street art (18)) y las formas abstractas permanentes o temporales no fueron permitidas en las calles durante gobierno soviético, y ninguna de ellas es claramente clasificable como arte monumental o como arte decorativo.

Sin embargo, si deseamos comunicarnos y colaborar en un mundo unificado culturalmente, necesitaremos dejar de lado estas interpretaciones transicionales, y construir un marco conceptual unificado.

Para terminar, ofrecemos un esbozo de tal estructura, amalgamando e incorporando la terminología más importante con relación al arte público.

 

Traducido del ruso al inglés por Masha Kovalevsky y del inglés al español por David Ayala Alfonso

 

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Notas

* Las notas de este texto corresponden a referencias de tres tipos. El primer tipo es la traducción directa de las referencias dadas por el autor. El segundo tipo corresponde a las entradas en español de diferentes términos del portal Wikipedia, que el autor utiliza como ejemplos de las nociones populares de ciertos términos de la esfera de las artes en el mundo occidental. Finalmente, el tercer tipo es el conjunto de traducciones de los términos de Wikipedia que no tienen una entrada equivalente en español, o cuya entrada en idioma español no es significativa para el ejercicio propuesto por el autor. (N. del T. al español)
 

(1) Un eufemismo del «arte monumental» entre los profesionales.
 

(2) El término arte público se refiere propiamente a las obras de arte planeadas y ejecutadas con la intención de ser ubicadas o escenificadas en el dominio público físico, usualmente en exteriores y accesible a todos. El término es especialmente significativo en el mundo del arte, curadores, organizaciones que comisionan estas obras  y profesionales dedicados al arte público, para quienes se trata de una práctica particular con las implicaciones de la especificidad del lugar (site specificity), la participación de la comunidad y la colaboración. El término se utiliza en algunas ocasiones para incluir cualquier práctica artística que es exhibida en un espacio público, incluyendo edificios de acceso público. Los monumentos, memoriales y estatuas cívicas son probablemente las formas más antiguas y obvias de arte público aprobado oficialmente, aunque se podría decir que la escultura arquitectónica e incluso la arquitectura misma son más extensas y satisfacen la definición de arte público. De forma creciente, diversos aspectos del entorno construido son vistos como candidatos legítimos a ser considerados como, o lugar para, arte público, incluyendo el mobiliario urbano, la iluminación y el grafiti. El arte público no está confinado a los objetos físicos: el baile, las procesiones, el teatro callejero e incluso la poesía tiene proponentes que se especializan en arte público. Algunos artistas que trabajan en esta disciplina usan la libertad otorgada por un sitio al aire libre para crear obras de gran tamaño que serían inviables en una galería, como por ejemplo la caminata de tres semanas titulada “The Path Is the Place in the Line”. En un ejemplo similar, el escultor Gar Waterman creó un arco gigante que mide 35x37x3 pies, que reposa a horcajadas en una calla de la ciudad de New Haven, Conneticut. Entre los trabajos de los últimos 30 años, que han sido más aclamados se encuentran piezas de Christo, Robert Smithson, Andy Goldsworthy y Anthony Gormley, donde la obra reacciona a, o incorpora su entorno. [tomado originalmente de Wikipedia en ingles. Se traduce la entrada con la intención de conservar los ejemplos allí referenciados. N. del T. al español]
 

(3) Arte de sitio específico (Site-specific art) comprende las obras creadas para existir en un lugar particular. Típicamente, el artista considera la locación durante la planeación y la ejecución de la obra. El término fue promovido y refinado por el artista californiano Robert Irwin, pero fue utilizado por primera vez a mediados de los años 1970 por escultores jóvenes como Lloyd Hamrol y Athena Tacha, quienes comenzaron a ejecutar encargos públicos para emplazamientos urbanos de gran escala (ver Peter Frank, “Site Sculpture”, Art News, Oct. 1975). El arte ambiental de sitio específico se describió en principio como un movimiento por la crítica de arquitectura Catherine Howett (“New Directions in Environmental Art”, Landscape Architecture, Ene. 1977) y por la crítica de arte Lucy Lippard (“Art Outdoors, In and Out of the Public Domain”, Studio International, Marzo-Abril 1977). El arte de sitio específico para exteriores también incluye performances creados especialmente para el sitio. La danza de sitio específico también ha sido creada para existir en un cierto lugar. La coreografía es generada a partir de la investigación y la interpretación de un lugar, desde la matriz cultural única de características y topografías de este, ya sean arquitectónicas, históricas, sociales o ambientales; descubrir el significado oculto de un espacio y desarrollar métodos para amplificarlo. Algunos artistas comisionan música creada por un compositor local especialmente para el lugar de la danza. Las obras de arte de sitio específico para interiores pueden ser creadas en conjunción con los arquitectos del edificio. De forma más amplia, el término se utiliza con algunas veces para cualquier trabajo que está (más o menos) vinculado de forma permanente a una locación en particular. En este sentido, un edificio con una arquitectura interesante podría ser considerado como una pieza de arte de sitio específico. [tomado originalmente de Wikipedia en ingles. Se traduce la entrada con la intención de conservar los ejemplos allí referenciados. N. del T. al español]
 

(4) Arte de caballete (Gran Enciclopedia Soviética, http://www.bse.info-spravka.ru/bse/id_76148), es un término derivado de 'caballete', cuyo desarrollo extensivo tuvo lugar desde el Renacimiento hasta el siglo XIX y más allá. Este término designa obras de pintura, escultura y obras gráficas de naturaleza independiente (a diferencia de, por ejemplo, obras de arte monumental o ilustraciones de los libros), que no están destinadas para grandes instalaciones, publicaciones, etc. Su expresión ideológica y artística no cambia con respecto a dónde sean exhibidas.
 

(5) Gran Enciclopedia Soviética, http://www.bse.info-spravka.ru/bse/id_50702
 

(6) Arte Monumental (Diccionario de Arte y Arquitectura), http://brainart.ru/) - (del Laín monumentum — monumento, de monere – recordar, inspirar, apelar a)

Como una forma del arte expresivo y decorativo: el término ‘arte monumental’ se incluye entre las filas de tales conceptos morfológicos, como arte de caballete y artes aplicadas. Su producción pertenece a aquél tipo de arte espacial que, junto con la arquitectura, contribuye directamente al entorno cotidiano, que la gente crea para sus actividades diarias. También expresa el carácter de una era: el arte monumental, al mismo tiempo, contribuye tanto con la formación de la conciencia social como del entorno físico de las personas.

El arte monumental debe diferenciar su concepto innato de aquel del monumentalismo en el arte, de modo que no toda obra de arte monumental está obligada a incorporar rasgos de monumentalidad. En términos estrictos, la frase ‘arte monumental’ se aproxima a los conceptos anglófonos de ‘arte en la arquitectura’, ‘arte ambiental’, ‘arte público’ y el término alemán ‘baubezogene’.

‘Arte Monumental’ como concepto general apareció hacia finales del siglo XIX y principios del s. XX, incluso si la tipo de creación implícito en este término data de tiempos ancestrales en la historia humana. Por muchos años, el arte monumental se ha manifestado en estructuras arquitectónicas, escultura, pintura mural, etc. El arte monumental se encuentra ligado a las formas y géneros del arte espacial que están predispuestos a la interacción (síntesis) con el otro, y se encuentra en instalaciones de naturaleza representativa o en estructuras destinadas para espacios públicos, tales como plazas municipales y parques.

Los trabajos más significativos de arte monumental son aquellos que contribuyen a la comprensión artística del universo, interactúan con el hombre en un nivel espiritual, espacial, y de gran escala, y, desde una perspectiva filosófica, interactúan con el ambiente en su totalidad. Las obras de arte monumental, en cierta medida, poseen las cualidades de las ‘grandes formas’, tales como la escala y la proporción, la armonía de sus partes constituyentes con el todo, el embellecimiento en general dentro de una composición, la claridad en la forma rítmica, la claridad en la silueta y el énfasis en el color. Existen algunos principios básicos que aplican a todas las obras de arte monumental: adaptación a la estética de un edificio, estatua o pintura mural al lugar y propósito dentro del espacio arquitectónico, la habilidad simultánea de pertenecer a un ensamble, y al mismo tiempo la posibilidad de aislarse de su entorno. El campo del arte monumental moderno constituye un amplio rango de expresiones, dentro de la transformación artística de un ambiente – desde lo trágico y lo festivo, a incluso lo profundamente íntimo y decorativo.
 

(7) Gran Enciclopedia Soviética, http://www.bse.info-spravka.ru/bse/id_50702
 

(8) Gran Enciclopedia Soviética, http://www.bse.info-spravka.ru/bse/id_50702
 

(9) Gran Enciclopedia Soviética, http://slovari.yandex.ru/dict/bse/article/00056/50700.htm
 

(10) El término arte sostenible (Wikipedia, http://es.wikipedia.org/wiki/Arte_sostenible), también llamado arte medioambiental o arte verde, pretende la inclusión en las obras que lo conforman, de aspectos relativos a la ecología y la denuncia de las acciones que degradan nuestro entorno, así como el apoyo de causas sociales. Por otra parte, se trata de un tipo de arte, que tiene en consideración el impacto que la obra va a crear en su contexto geográfico y social.

Los inicios del arte sostenible no están delimitados de una forma clara, pero se pueden datar en torno a la aparición del ‘Arte conceptual’ a finales de los años 60 y principios de los 70. La postura que los artistas pertenecientes a esta nueva rama del arte adoptaron fue la de criticar a los autores contemporáneos de Land Art, que no prestaban atención ni interés por el medio ambiente, sobre el cual trabajaban. Por lo general, las obras de land art llevaban consigo modificaciones del terreno, que afectaban al entorno de forma negativa, en un sentido ecológico.

Sin embargo, el arte sostenible no ha empezado a encontrar protagonismo hasta los primeros años del siglo XXI. En el año 2002, en Berlín, hubo uno de los primeros encuentros de esta naturaleza titulado Tutzinger Manifest. En 2006 se celebró el International Symposium on Sustainability and Contemporary Art en Budapest. Este último encuentro, organizado por los artistas Maja y Reuben Fowkes, ha tenido sucesivas ediciones en otras tantas ciudades importantes.

Se publica la entrada de Wikipedia equivalente en español a la referenciada por el autor en inglés (N. del T. al español)
 

(11) N.P. Antsiferov, Soul of Saint Petersburg, Lenizdat, 1991
 

(12) P.E. Shugurov, “For whom does the artist create?”, Revista ZHK–miks, San Petesburgo, verano, 2008
 

(13) Plop Art es una términos peyorativo, dentro del argot popular para el arte público (generalmente grande, abstracto, modernista o la escultura contemporánea), hecho para plazas hechas para el Estado o para corporaciones, espacios frente a edificios de oficinas y rascacielos, parques y otros espacios públicos. El término connota que la obra no es atractiva o apropiada para su entorno – es decir, “fue dejada caer” (plopped) sin mucha reflexión en el sitio donde está. El Plop art es también un juego de palabras proveniente del término Pop Art. De acuerdo a artnet.com, el término fue acuñado por el arquitecto James Wines en 1969. El término burlón fue tomado con entusiasmo por progresistas (como Wines) y por conservadores. Los progresistas fueron críticos de muchos fracasos del arte público en tomar una aproximación orientada hacia cuestiones ambientales en la relación entre arte público y arquitectura. A los conservadores les gustó el término, porque sugería algo feo, sin forma ni significado, producido sin habilidad o cuidado. La palabra misma, “plop”, sugería algo cayendo húmeda y pesadamente – extruido, por así decirlo, de los fundamentos del mundo del arte y a menudo realizado con fondos públicos.

Más recientemente, los defensores de la financiación del arte público han intentado apropiarse del término. El libro Plop: Recent Projects of the Public Art Fund celebran el éxito del Public Art Fund en la financiación de muchas obras de arte, ubicadas públicamente en las últimas décadas, muchas de las cuales son apreciadas ahora a pesar de que al principio fueron ridiculizadas como “ploppings”. Numerosas corrientes o movimientos del arte contemporáneo, tales como la escultura ambiental, el arte hecho específicamente para un lugar y el land art se contraponen filosóficamente al “plop art”, así como a la escultura monumental pública tradicional.

Traducción de la entrada en inglés de Wikipedia (http://en.wikipedia.org/wiki/Plop_art ) de este término. No existe una entrada equivalente en español. (N. del T. al español)
 

(14) Como acción artística original y diferenciada, la intervención (Wikipedia, http://es.wikipedia.org/wiki/Intervención_(arte)) es la que modifica alguna o varias de las propiedades de un espacio, que pasa a ser un espacio artístico por el simple hecho de que un artista decida desarrollar sobre él su actividad. Su condición de obra de arte no es evidente en un sentido material, puesto que la mayor parte de las veces estas intervenciones son por su propia naturaleza arte efímero, no destinado a perdurar, sino a desmontarse pasado un breve tiempo, y sus restos materiales no tienen la condición de obras de arte, sino de material de desecho. Paradójicamente, ese destino efímero lo comparten algunas obras de arte contemporáneo destinadas a perdurar, al menos en la voluntad de su creador, cuyo peculiar aspecto ha producido accidentes, al ser tomadas por alguien como simple basura o material de reciclaje, condiciones con las que no tienen ninguna diferencia material. Muy habitualmente no hay consenso social sobre la condición artística de una intervención, especialmente cuando se hace de forma espontánea o no se somete a permisos o regulaciones oficiales, con lo que puede ser considerada vandalismo o gamberrismo al no haber ninguna diferencia material con esos conceptos (graffitti, arte callejero).

Las intervenciones como acción artística suelen consistir en la ocupación física de parte del espacio público por objetos dispuestos en un determinado lugar por un artista, el uso de una determinada parte de un museo para un fin "no convencional", u otras acciones imposibles de clasificar, porque no hay más límite a la modalidad de una intervención que la imaginación del artista. El término "intervención" es un vocablo en continua evolución, y según la rama del arte, la voluntad del artista o la obra misma, adquiere significados diferentes. Actualmente es más una palabra descriptiva de una obra, que una categorización en la que puedan ubicarse claramente obras con características comunes. La polémica que suele acompañar las intervenciones es considerada por los artistas como parte del resultado artístico que buscan, como provocación, y suscitan la reflexión sobre los límites del arte mismo y su relación con las instituciones yel mercado de arte, así como con los mismos conceptos de mercado, poder y sociedad.

Las vanguardias artísticas posteriores a la Primera Guerra Mundial (1918), especialmente el dadaísmo y el surrealismo, se caracterizaron por actividades artísticas no convencionales que pueden ser caracterizadas de instalaciones, como la recogida de objetos cotidianos para ser exhibidos como piezas de museo y la utilización de las piezas habituales de los museos como mero soporte de la actividad artística (Marcel Duchamp); o la ocupación de espacios para la realización de actividades extravagantes, de la que fueron continuidad los happenings de mediados del siglo XX.

Desde finales del siglo XX, ya con el uso frecuente de esa denominación, las intervenciones de Christo lograron una enorme repercusión mediática (forrar islas enteras de color rosa, el Pont Neuf de París, el Edificio del Reichstag de Berlín). Similar impacto han tenido las convocatorias de grandes grupos de personas para desnudarse, adoptar una determinada postura y ser fotografiadas por Spencer Tunick.

Se publica la entrada de Wikipedia equivalente en español a la referenciada por el autor en inglés (N. del T. al español)
 

(15) Una instalación artística (Wikipedia, http://es.wikipedia.org/wiki/Instalación_art%C3%ADstica) es un género de arte contemporáneo que comenzó a tomar un fuerte impulso a partir de la década de 1960. Las instalaciones incorporan cualquier medio para crear una experiencia visceral o conceptual en un ambiente determinado. Los artistas de instalaciones por lo general utilizan directamente el espacio de exposición, a menudo la obra es transitable por el espectador y este puede interaccionar con ella. Las intervenciones en espacios naturales que incorporan el paisaje como parte integrante de la obra suelen enmarcarse en el denominado Land Art o arte de la tierra.

Se han señalado como los orígenes de este movimiento a artistas como Marcel Duchamp y su uso de objetos cotidianos resignificados como obra artística, Artistas tan diferentes como Helio Oiticica, Bruce Nauman, Joseph Beuys, Daniel Buren, Wolf Vostell, Nam June Paik, Marcel Broodthaers o Antoni Muntadas son artistas que han trabajado en uno u o otro sentido la instalación.

Puede incluir cualquier medio, desde materiales naturales hasta los más nuevos medios de comunicación, tales como video, sonido, computadoras e internet, o incluso energía pura como el plasma.

Algunas instalaciones son sitios específicos de arte, sólo pueden existir en el espacio para el cual son creadas.

Se publica la entrada de Wikipedia equivalente en español a la referenciada por el autor en inglés (N. del T. al español)

(16) Grafiti (Diccionario de Arte y Arquitectura, http://www.brainart.ru) (Italiano: graffiti, de graffiare – rayar). Originalmente significaba inscripciones e imágenes con frecuencia satíricas o caricaturescas, encontradas en los muros de monumentos y embarcaciones antiguas.

También es e nombre de las insrcipciones modernas y los dibujos en las paredes de las casas, grandes vallas y sistemas de tenes subterráneos. El grafiti también se realiza rayando yeso, o creado con tiza, carbón y otros materiales. Como una expresión de creatividad inferior y ‘naif’, el grafiti ha llamado la atención de diferentes artistas modernos, que intentan liberarse de los convencionalismos impuestos por las escuelas profesionales y la tradición.

Muchos de los trabajos de Joan Miro y Paul Klee demuestran proximidad estilística con estas modelos de obras callejeras no-normativas. En particular, Picasso apreciaba el laconismo extremo y el uso mínimo de elementos gráficos para la descripción de los rostros, la figura humana y algunos movimientos distintivos.

El artista francés Jean Dubuffet utilizaba los métodos del grafiti del en su ‘arte en bruto’ (Art Brut). Durante los años 60 emergió un movimiento de artistas y entusiastas con el mismo nombre, tanto en Estados Unidos como en Europa Occidental. Los miembros de este movimiento (que usualmente pertenecían a minorías y grupos marginales) intentaron dar luz a los entornos sombríos de las fachadas urbanas, al cubrir las superficies de los muros ciegos y las barreras de concreto con pinturas de gran escala. En su trabajo, los temas de la protesta social y la crítica a las injusticias sociales eran comunes.  El arte estadounidense del grafiti se caracteriza por su expresión, el uso de colores claros y el uso extendido de simbolismos populares.
 

(17) Un flashmob (Wikipedia, http://es.wikipedia.org/wiki/Flashmob), traducido literalmente de inglés como «multitud instantánea» (flash: destello, ráfaga; mob: multitud), es una acción organizada en la que un gran grupo de personas se reúne de repente en un lugar público, realiza algo inusual y luego se dispersa rápidamente. Suelen convocarse a través de los medios telemáticos (móviles e Internet) y en la mayor parte de los casos, no tienen ningún fin más que el entretenimiento, pero pueden convocarse también con fines políticos o reivindicativos.

Una de las particularidades de estas «tribus temporales» es que no requieren contar con el apoyo de los mass media para comunicarse, coordinarse y actuar de manera conjunta, ya que su comunicación funciona a través de redes sociales virtuales. Se trata de individuos que, apoyados por las tecnologías de comunicación, difunden mensajes a sus redes sociales de amigos y conocidos, los cuales hacen lo mismo hasta construir una gran cadena de comunicación que es capaz de movilizar a miles de personas.

Recientemente, la actividad ha sido utilizada como parte de campañas publicitarias de diversos productos, programando la reunión en algún sitio público pero con la participación de bailarines y artistas que simulan un flashmob tradicional pero incluyendo aspectos de la marca que se promueve.

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(18) El término arte urbano o arte callejero (Wikipedia, http://es.wikipedia.org/wiki/Arte_urbano), traducción de la expresión inglesa street art, hace referencia a todo el arte de la calle, frecuentemente ilegal. El arte urbano engloba tanto al grafiti como a diversas otras formas de expresión artística callejera.

Desde mediados del los años 90 el término street art o, de forma más específica, Post-Graffiti se utiliza para describir el trabajo de un conjunto heterogéneo de artistas que han desarrollado un modo de expresión artística en las calles mediante el uso de diversas técnicas (plantillas, posters, pegatinas, murales....), que se alejan del famoso grafiti.

El uso de plantillas (stencil), a menudo con un mensaje político, cobra especial relevancia en París en la segunda mitad de los años 60. Sin embargo, no es hasta mediados de los años 90, con la aparición de artistas como el norteamericano Shepard Fairey y su campaña "Obey" (Obey Giant) (Obedece al gigante), ideada a partir de la imagen del personaje de circo Andre The Giant y llevada a cabo mediante el uso de posters y plantillas, cuando las diversas propuestas de este tipo cobran auge en distintas partes del mundo y son percibidas en su conjunto como parte de un mismo fenómeno o escena.

El mensaje original de esta campaña fue nulo, se erigió haciendo referencia a sí mismo, sin otro significado de por medio. Sin embargo, desde mediados de los noventa ha sido una de las imágenes de cultura urbana más veces retomada por otros artistas. Se ha parafraseado a manera de homenaje y otras como ironía, pero ha servido como base importante para el desarrollo del arte callejero en todas las capitales del mundo.

El arte callejero, al integrar sus elementos en lugares públicos bastante transitados, pretende sorprender a los espectadores. Suele tener un llamativo mensaje subversivo que critica a la sociedad con ironía e invita a la lucha social, la crítica política o, simplemente, a la reflexión. Sin embargo, existe cierto debate sobre los objetivos reales de los artistas que actualmente intervienen el espacio público.

El estarcido (stencil) y la pintura en espray, es la forma en donde se puede encontrar mayor diversidad de estilos y búsquedas estéticas por los artistas del movimiento. Aunque también en pegatinas y pósteres, es donde podemos ver la evolución de este arte de la calle. Con diferentes ciudades como núcleos del arte callejero, algunos de sus exponentes más reconocidos son Banksy, John Fekner, Shepard Fairey, Blek le Rat, Bloo and Titi.

Con estos artistas se ven manifestadas en sus obras no sólo las variantes técnicas y estéticas, sino también distintos trasfondos ideológicos. Con Banksy, por ejemplo, se ven manifestadas irónicas figuras que se burlan de la política o de la moral. Por otro lado, el americano Shepard Fairey, ha saltado a la fama por una campaña esparcida por toda la ciudad, sin bases u objetivos reales, más que la reproducción de una figura por el medio en sí mismo.

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